丸山常生 MARUYAMA Tokio Website : 2009 (4) 活動状況 Information

昨年の１回目は、海外から多くの参加者を招いたが運営が何かと大変だったようだ。今年は助成金削減もあり日本からの３名のアーティスト（磯安代・勝木繁昌・私）と韓国人アーティスト４名を含めた少人数による開催。（内容は展示として参加者のインスタレーションと昨年のアーカイブで8日間開催。その内メインのパフォーマンス・デイが12/18-19日の２日間。）

同時期にソウルでもパフォーマンス・フェスティバル（Performance Art Network ASIA)が開催されていた。黒田オサムさんや霜田さんらが参加している。そちらはもう少し規模が大きい。プサンの方はどちらかというとその方法や運営に批判的な見方をしているようだ。ソンベと話しながら「エスタブリッシュ」ではなく、もっとアーティスト同士の深い関わりと「インターメディア（ジャンルを超えた）」を目指している印象を受けた。今年のテーマも「コミュニケーション」となっている。

先に入っていた勝木君の話で、彼が寝ていた部屋の布団にいつの間にやら知らない若者（アジトのメンバーの一人）が寝ていてびっくりしたという話が笑わせる。もちろん悪気はなく、これが韓国の人たちの人間関係の距離感。家族的な関係をベースに、手作り型のアットホームなフェスティバルを作ろうとしているソンベには、今回、短いながらもいろいろ世話になった。

18日のパフォーマンス・デイのオープニングは私からスタート。２日前から寒気が入り晴れていてもかなり冷え込み、アジトのギャラリー内にもストーブが入れられた。これがゴーッと大きな音を出す代物。準備や観客の出入りの状況も刻々と変わりコントロールされていないので、ほとんど組み立てをプランせずに開始する。アクションしながら全体的な状況を俯瞰する「もうひとつの眼」を効かせながら、直感的に次のアクションへと繋いでいく。結果的に、私にしては肉体的激しさが前面に出た20分程のパフォーマンスとなった。

次に、Yi hyok bal（イ・ヒョクバル）。彼はアーティストであるとともに「Korian Performance Art 1967-2005」という韓国のパフォーマンス・アートの歴史を振り返った立派な資料集の著者で、評論もしている。私の直後だったのでほとんど見られなかったのが残念。静かで知的なパフォーマンスをしたように見受けられた。

続いて、勝木繁昌、A-young、Sung baeg＋磯安代と、計５つのプログラムがこの日行われた。最後、プログラムにWorkshopと書いてあったので何をするかと思ったら、取材用のインタビューをした後、皆で飲めや歌えの宴会となってしまった。本当はもう少し互いの作品について話すつもりのはずだったんじゃないの？　翌日も続くプログラムがあるのに…。その後、お決まりの二次会に氷点下の中を歩いて焼き肉屋へとなだれ込む。以前と変わらぬ韓国人のつき合いの濃密さと、マッコリの美味さを味わいながら「大韓民国（テーハミングック）」の熱気を全身に浴びる。

近年、当地の若者の気質もだいぶ変わったと聞いていたが、それでも日本より遥かに外に向うエネルギーのパワーは強い。この地のコミュニケーションとは、杓子定規で形式的なセレモニーではなく、基本的に気持ちの誠実さと触れ合いが大前提となっているわけだ。


■2009.12.15 - 19 　釜山・パフォーマンスフェスティバル韓国・釜山（プサン）でのフェスティバルへ。３週間程前、知人から参加打診を受け、慌ただしく日程を調整し作品を発表してきた。韓国での発表は４回目。自分の都合で全期間の滞在はできなかったが、発表以外にも多くのスケジュールが組まれフリータイムもほとんどなく、あっという間の5日間となった。
		"2nd International Performance Art in Busan" （2009.12/15～22　左写真は案内状より）オーガナイザーのSung baeg（ソンベ）は、彫刻出身のインスタレーション作家でありパフォーマンスアーティスト。"Agit"というインディ・カルチャー・アートスペース（と称している）のアート部門のディレクターもしている。まだ30代の若さだが、リーダーシップがあり周囲からの人望も厚い男だ。
"Agit"は日本語の「アジト（隠れ家・指令所）」と同じ意味（元々英語だが）。地元プサンのアート・アソシエーションから助成金を受け、アートだけでなく音楽やその他の文化活動も4年前から行われている。元幼稚園の建物を改装し、ギャラリーの他にアトリエや録音スタジオ、宿泊施設なども付帯されているアーティスト・イン・レジデンス型の施設。といっても日本のようにソフィスティケートされてはおらず、ゴチャゴチャした感じではある。プサンビエンナーレや海岸野外展示など大規模なイベントがある観光地プサンだが、ここはその名の通りインディながら様々な若者たちが出入りし、交流活動の拠点の一つとなっている。韓国内ではこのような施設は５カ所程度あるらしい。昨年の１回目は、海外から多くの参加者を招いたが運営が何かと大変だったようだ。今年は助成金削減もあり日本からの３名のアーティスト（磯安代・勝木繁昌・私）と韓国人アーティスト４名を含めた少人数による開催。（内容は展示として参加者のインスタレーションと昨年のアーカイブで8日間開催。その内メインのパフォーマンス・デイが12/18-19日の２日間。）同時期にソウルでもパフォーマンス・フェスティバル（Performance Art Network ASIA)が開催されていた。黒田オサムさんや霜田さんらが参加している。そちらはもう少し規模が大きい。プサンの方はどちらかというとその方法や運営に批判的な見方をしているようだ。ソンベと話しながら「エスタブリッシュ」ではなく、もっとアーティスト同士の深い関わりと「インターメディア（ジャンルを超えた）」を目指している印象を受けた。今年のテーマも「コミュニケーション」となっている。先に入っていた勝木君の話で、彼が寝ていた部屋の布団にいつの間にやら知らない若者（アジトのメンバーの一人）が寝ていてびっくりしたという話が笑わせる。もちろん悪気はなく、これが韓国の人たちの人間関係の距離感。家族的な関係をベースに、手作り型のアットホームなフェスティバルを作ろうとしているソンベには、今回、短いながらもいろいろ世話になった。 ⇒　「IPIB (International Performance art In Busan) の５日間」へ（工事中） -------------------------------------------------------- 18日のパフォーマンス・デイのオープニングは私からスタート。２日前から寒気が入り晴れていてもかなり冷え込み、アジトのギャラリー内にもストーブが入れられた。これがゴーッと大きな音を出す代物。準備や観客の出入りの状況も刻々と変わりコントロールされていないので、ほとんど組み立てをプランせずに開始する。アクションしながら全体的な状況を俯瞰する「もうひとつの眼」を効かせながら、直感的に次のアクションへと繋いでいく。結果的に、私にしては肉体的激しさが前面に出た20分程のパフォーマンスとなった。次に、Yi hyok bal（イ・ヒョクバル）。彼はアーティストであるとともに「Korian Performance Art 1967-2005」という韓国のパフォーマンス・アートの歴史を振り返った立派な資料集の著者で、評論もしている。私の直後だったのでほとんど見られなかったのが残念。静かで知的なパフォーマンスをしたように見受けられた。続いて、勝木繁昌、A-young、Sung baeg＋磯安代と、計５つのプログラムがこの日行われた。最後、プログラムにWorkshopと書いてあったので何をするかと思ったら、取材用のインタビューをした後、皆で飲めや歌えの宴会となってしまった。本当はもう少し互いの作品について話すつもりのはずだったんじゃないの？　翌日も続くプログラムがあるのに…。その後、お決まりの二次会に氷点下の中を歩いて焼き肉屋へとなだれ込む。以前と変わらぬ韓国人のつき合いの濃密さと、マッコリの美味さを味わいながら「大韓民国（テーハミングック）」の熱気を全身に浴びる。近年、当地の若者の気質もだいぶ変わったと聞いていたが、それでも日本より遥かに外に向うエネルギーのパワーは強い。この地のコミュニケーションとは、杓子定規で形式的なセレモニーではなく、基本的に気持ちの誠実さと触れ合いが大前提となっているわけだ。


■2009.11.25 　映像表現の成熟度
		ヨコハマ国際映像祭2009。現代美術、メディアアート、アニメーション、映画、写真、そしてジャンルを超えたコミュニケーションツールとしての映像全般を扱ったフェスティバルというふれこみ。会期終了間際のこの日は平日。見られたのは新港ピアとBankART Studio NYKの二会場。新港ピア会場は情けなくなるほど閑古鳥が鳴いていた。広報も解りづらく会場の作りも散漫。企画コンセプトが空回りしているのは明らか。映像にほとんど眼がいかず印象に残らず。トラブル（開幕直前の主要出品作家兼ディレクターの突然の出品辞退）も生じ、いろいろ考えるべきこともあったようだがここでは触れない。
欲張りな企画コンセプトと関係なく、アートとしての映像表現という観点でのみ見ると、BankART会場の方には作品として見ごたえがあるものがあった。 10年くらい前から国際展はじめ多くの企画展で映像作品が数多くあふれ出し、見ることを妙に強いられる感覚があった。そしてその大半がつまらない。個展などだったら良いが、大規模展でのそのような経験はうんざりしていた。（今春の東京国立近代美術館の「ヴィデオを待ちながら　映像・60年代から今日へ」は好企画だったが。）だから今回もこのような総花的な映像祭にあまり期待はしていなかった。しかし、いい意味で期待は裏切られた。クリスチャン・マークレーの "Video Quartet"は、膨大な数の映画からの引用によって、視覚と聴覚をシンクロさせる精緻に作り込まれた作品。映像ならではの訴求力があり、モンタージュの巧みさに感心した。アルフレッド・ジャーの "The Sound of Sirence"もさすが。作品の構造体そのものに存在感があり、その中で味わう映像体験そのものが重層的な深いメッセージ性を秘めている。初めて見た山川冬樹も、自分の生い立ちならではの特別な素材に助けられているものの、豊かな表現力を感じさせた。その他にも眼を引かれたものがいくつかあった。案の定、見終わるのに時間がかかったが、この長さはけっして苦痛とならなかった。それらを振り返れば、けっして斬新な表現方法や実験的なテクノロジーが展開されていた訳ではない。見せ方としては比較的オーソドックスなものが多かった。しかしシンプルに作品として成熟された質の高い表現が実現されていた。映像そのものとともに、空間性が加味されたものを私は好む。つまり映像体験の現場性（臨場感）が作品に構造化されているものがアートとして必要だと思う。そうでなければYouTubeなどの動画サイトなどで見れば充分。そう言う意味では展示の仕方の巧拙によって同じ作品でも全く印象が変わることがある。テクノロジーの発達と寄り添いながら歩んだこの分野は、ハード面の目新しさや実験のみに偏りがちで、ソフト面（技術・方法・内容の折り合い）がどうしても等閑（なおざり）になりがち。ビル・ヴィオラのようにすでに巨匠となった作家もいるが、この分野の成熟度を感じさせる成果がだいぶ見られるようになったことをあらためて実感した。　-------------------------------------------------------- 話題は変わるが、アルフレッド・ジャーについて話を戻すと、彼の今回の作品のテーマになったのは、1994年のピュリッツアー賞を受賞したケヴィン・カーターの写真「ハゲワシと少女」。当時、この写真が世界中に発信された時のインパクトと、その後のいきさつ（彼の自殺）はいまだに記憶に強く残っている。私は当時、美術史の授業で３年間程これを取りあげ、メディア・リテラシーについてのレポートを学生たちに書いてもらったことがある。様々なことを考えさせる出来事だった。この作品でジャーはカーターの生い立ちを詳しく追いながら、現在、例の写真が、ある企業の管理の元で著作権保護されていることを明らかにする。ジャーナリズムと資本主義をめぐる矛盾や現実を、アートらしいセンスと強い身体性を伴った方法で表現した。彼は私と同年。すでに世界で評価されるようになって長い。どうやら問題意識も重なっている所があるように思う。以前から気になる作家の一人だ。


■2009.11.20 　マルチプル能力この日、ヒルサイドプラザで行われたヴィータウタス・ランズベルギスによるレクチャー・コンサート「チュルリョーニスの時代」に顔を出した。彼の名を覚えておられる方も多いだろう。1989年、リトアニアがソ連邦から独立した時の最高会議の議長を務めた人物。ポーランドのワレサやチェコのハヴェル等とともに、旧東欧諸国が民主化した時の指導者として世界に名を馳せた。彼自身は音楽家でもあり、リトアニアの国民的芸術家であるチュルリョーニス（作曲家・画家・文筆家・写真家）の研究者でもある。政治の世界のリーダーにそのような文化人がなるという組み合わせに、日本の政治風土に慣れた身に取ってはちょっとびっくりさせられたものだ。小泉純一郎がプレスリーを歌うのとは訳が違う。
		演奏後、ピアノの前でチュルリョーニスの絵画について語るランズベルギス氏。この日の氏のピアノ演奏（チュルリョーニスのピアノ曲など）は時々良さも感じたが、全体的に私の耳には今ひとつ冴えは感じられなかった。しかし、語り（沼野充義氏との対談）からは言葉の一つ一つに説得力を感じた。芸樹家、学者、政治家、それぞれの顔を阿修羅像のように持ち合わせるマルチ人間。
マルチプルな能力というものについて少々考えさせられた。ランズベルギス自身は、政治家と音楽家の両立について問われ、共通するものがあると答える。人のために行うこと。人に伝える使命を持っていること。人の話を丁寧に聞くことが必要であること。それは共同体における共通の意識に向けてオーケストラの指揮をとるようなものだ。共同体に向けてのメッセンジャー（伝道師）であることにおいて変わりはない。そしてそのために精神の自由さが必要だという。チュルリョーニスも作曲と絵画の制作を高いレベルで両立させた芸術家だった。（日本ではあまり知られていないが、1992年にセゾン美術館で紹介されている。）19世紀末から20世紀初頭の変動が激しかった時代を生きた。その後のアヴァンギャルドの時代の変遷を知った現在の眼と耳で彼の作品をとらえると、最前線でなかったのは確か。しかし、その時代の深層的な部分で共鳴する何かを見出している。作品はみなどこかで見たり聞いたりした印象を受けるが、後に生まれる時代精神や、様式、方法を既に孕んでいる。どこにも属していないがどこにもつながっている作品。マルチな才能が生み出した不思議な作品世界である。共同体における共通意識と精神の自由さ。この一見相反することを両立させるヒントを彼らに見た。